IN COLORS PROJECT  ED#4  SKIN

Este é o Rafał, que em breve se tornará Nikita, a Deusa do Amor. Nikita é uma drag queen de Wrocław.Este é Rafał, que em breve se transformará em Nikita, a Deusa do Amor. Nikita é uma drag queen de Wrocław. Estes são alguns momentos dessa transformação. Aqui estão alguns momentos da transformação.

Um grupo de pescadores a pescar de manhã.

Fileiras de peixes estão pendurados a secar, com as escamas a brilhar e a endurecer, formando superfícies padronizadas. O sal e o sol atuam como conservantes, transformando a carne numa textura preservada. As grelhas contêm mais do que apenas alimento: guardam vestígios de mãos, do tempo e de rituais — a superfície como pele, o trabalho como memória gravada na economia da costa.

Num ritual de fé, o corpo é exposto ao fumo como um ato de purificação espiritual. A pele ostenta as marcas da devoção — texturada, marcada pelo tempo e vulnerável —, enquanto o fumo que se eleva esbate a fronteira entre o físico e o invisível.

Aqui, a purificação não é suave, mas intensa, sendo que a crença transforma o desconforto em transcendência. O corpo torna-se um receptáculo e a pele uma superfície através da qual a fé é expressa e libertada.
Esta imagem capta o momento em que o corpo material começa a dissolver-se em algo que vai além de si mesmo.

Uma criança pequena espreita pela entrada escura de uma frágil casa de barro, com um olhar que transmite inocência misturada com adversidade. A luz fraca e o ambiente degradado refletem a pobreza, a solidão e as dificuldades não reveladas da infância em comunidades marginalizadas, enquanto o seu olhar pede silenciosamente esperança e um futuro melhor.

Duas mãos entrelaçam-se numa quietude serena, a pele formando uma topografia de rugas, veias e calosidades. Cada prega arquiva o trabalho, a ternura e o tempo; o entrelaçar protege e, simultaneamente, revela. Aqui, a pele é história — a superfície como registo, o toque como testemunho — onde a memória pessoal e a experiência incorporada se guardam na palma da mão.

Esta imagem mostra um trabalhador numa fábrica de argila a misturar argila com os pés. Os pés cobertos de lama, marcados pelo trabalho e pela repetição, não estão apenas sujos — fazem parte do seu meio de subsistência. À medida que a argila seca, forma-se uma camada endurecida sobre a pele, fazendo com que o trabalhador pareça quase tão escultural quanto os objetos moldados a partir da própria argila.

Com o passar do tempo, a argila torna-se uma segunda pele — uma identidade moldada pelo trabalho, pelo material e pela sobrevivência.

A imagem assenta na tensão entre a beleza exterior e a realidade interior. A pele não é apenas uma camada protetora, mas sim a fronteira do mundo visível, sob a qual se encontra uma estrutura frágil, mas estável - os ossos e a estrutura interna.

As pegadas marcam-se na areia ondulada, cada sulco uma impressão epidérmica momentânea. A luz e a maré suavizam e acentuam estas marcas, transformando a passagem numa inscrição. A costa torna-se uma pele viva: efémera, texturada e recetiva — onde os passos humanos gravam brevemente a memória na paisagem antes de o mar os apagar.

Surgindo da quietude absoluta das sombras, a pele revela-se como o primeiro gesto escultural da vida. Aqui, a luz não se limita a iluminar; esculpe um caminho através dos contornos suaves de jovens noviços, demorando-se suavemente na superfície da devoção. Nesta intimidade profunda, os limites do corpo físico dissolvem-se, transformando um simples retrato num monumento poético de paz, resiliência e verdade interior.

Embora a pele possa parecer uma armadura que nos faz aparentar força perante o mundo exterior, é, na realidade, o lugar mais vulnerável da humanidade. Criada em ambiente de estúdio e fazendo referência à pintura de Caravaggio, esta fotografia demonstra quão facilmente penetrável é, na verdade, a superfície do poder e da tirania - Holofernes. Toda a autoridade de um comandante colossal é destruída pela incisão de apenas alguns milímetros de pele no seu pescoço, provocada por uma espada.

Além disso, o tecido ou drapeado vermelho e denso ao fundo funciona quase como uma projeção espacial do sangue que jorra do interior, ou da carne crua e vermelha sob a pele - a camada ectodérmica. O artista envolveu o fundo nesta atmosfera visceral e claustrofóbica.

A sua pele enrugada é uma paisagem majestosa onde o tempo esculpiu os seus caminhos mais profundos e o mundo deixou a sua marca indelével. Através do gesto íntimo e rítmico das suas mãos, a resistência invisível de toda uma vida assume uma forma concreta e bela. Esta superfície visível transforma-se numa ideia profunda: que cada ruga é um monumento orgulhoso à sobrevivência e à liberdade inabalável.

As mulheres manifestam-se em solidariedade na Roca Oceânica, dias antes do referendo nacional do Chile, onde os cidadãos decidirão se devem substituir ou manter a Constituição redigida durante a ditadura de Augusto Pinochet.

Esta fotografia capta um momento cru e vulnerável do antigo ofício da fabricação de pergaminho. Em primeiro plano, uma pele de cabrito é apresentada em toda a sua textura orgânica, captada na fase final de uma metamorfose laboriosa. Aqui, está a ser preparada para transcender a sua natureza biológica; está a passar de uma «pele mortal» para uma «superfície imortal» destinada à palavra escrita.
Enquanto o mestre artesão permanece como uma silhueta esbatida em segundo plano — simbolizando o trabalho silencioso e incansável por trás desta tradição —, a própria pele assume o protagonismo ao preparar-se para transportar pensamentos e história durante os séculos vindouros. Este é o instante exato em que um tecido vivo é preservado através do toque humano, evoluindo para um suporte intemporal que desafia a decadência do tempo.

 

A argila adere à pele do artesão, enquanto cada dedo imprime devoção na forma. A pele humana molda a matéria terrosa, dando forma à pele divina a partir do solo. Em cada prega e em cada toque, o trabalho transforma-se em oração — pele que molda pele, a memória esculpindo a presença, a divindade nascida do diálogo íntimo entre a mão e a argila.

Captada de baixo para cima, a imagem mostra o corpo de um artista a estender-se pelo enquadramento num momento de tensão e movimento. A fotografia destaca a pele como uma superfície expressiva através da qual se transmitem a disciplina, a força e a identidade cultural. O próprio corpo torna-se um ato de liberdade.

Uma menina de uma tribo está sentada com o seu cão de estimação, enrolado num cobertor para o proteger do frio intenso.

Encontrei alguns belos exemplares de cogumelos em forma de taça na floresta. Decidi incorporá-los no meu próprio corpo.

Pés humanos descalços pairam num vazio tenso por cima de um cão de rua que rosna. Trata-se da pele como um território vulnerável e suspenso, que existe entre o betão e a sujidade. É uma liberdade crua e precária, intocada pelo ruído que se ouve lá em baixo, mas definida pela sua distância em relação a ele.

A série "Invisible" aborda um tabu silencioso nos cuidados com a doença de Alzheimer: a administração de medicação antipsicótica. Representa o momento em que a doença nos obriga a ultrapassar uma linha ética e emocional devastadora: a de ter de esconder medicamentos na comida ou na água para acalmar uma agitação que não cede.

Como cuidadora, este ato é vivido com uma culpa profunda e uma responsabilidade que ninguém nos ensina a gerir. É a contradição de «drogar» a pessoa que mais amamos para que ambas possamos sobreviver ao dia a dia. Nestas fotografias, procuro captar a essência dessa dedicação: a garrafa de água e o copo como testemunhas silenciosas de uma decisão tomada na solidão, e a observação posterior, quase científica e ao mesmo tempo quebrada, de como o seu olhar se transforma e o seu corpo se rende ao sono induzido. É uma denúncia da solidão do cuidador perante decisões que alteram, por completo, a natureza do vínculo.

Amigos divertem-se e refrescam-se num quente dia de verão. Um cena tão comum e tão frequente mas que pela estética e pela diferença de tons de pele, penso que resultou muito bem.

As marcas e as texturas revelam uma resistência interior, algo que já não está oculto. O corpo torna-se um palco visível de luta, carregando os vestígios tanto da dor como da resiliência.

Depois do regresso da pesca, este pescador posou para a fotografia, mostrando um dos peixes que pescou.

Todos os dias podemos realizar pequenos gestos que tenham um efeito positivo nos outros.

Detalhe das mãos de um grupo de xeques Druzos do clã Aridi, uma das duas principais famílias de Baysour, Líbano, durante a tradição anual do Liqaa al-Eidao que ocorre antes do nascer do sol, no feriado religioso de Eid Al-Adha. Para os Druzos, este evento não é propriamente uma celebração mas sim uma oportunidade para purificação e renovação da alma.

Sua presença flutua com força e autonomia. Um corpo que gera vida e, ao mesmo tempo, reivindica o direito de existir por inteiro, sem censura, sem domesticação e sem medo. Presente e dona de si, ela se encontra no centro da própria imagem, transformando a maternidade em ato político. Porque todo corpo livre desafia uma estrutura, e toda mulher que habita a própria pele abre caminho para uma nova forma de liberdade.

Uma criança a brincar nas minas de carvão.

Uma senhora idosa com o seu neto.

Ao chegar à sua última estação, este jovem penitente gastou as últimas forças deitado de bruços no chão, com os braços estendidos em forma de cruz, rezando fervorosamente. Cenas como esta são comuns durante a celebração da Semana Santa entre os católicos em algumas províncias das Filipinas, onde penitentes e devotos carregam cruzes de madeira descalços, cortam-se nas costas antes de se açoitarem até sangrar e chegam mesmo a deixar-se crucificar — tudo isto como atos de penitência e devoção.
Cortes e calosidades cobrem os seus corpos, e em cada cicatriz que ostentam reside um desejo para si próprios e para os seus entes queridos: alguns pedem a cura de doenças físicas, muitos a recuperação das feridas mais profundas da vida.
Embora a sociedade continue a criticar e a condenar estes atos, nem todos conseguem — ou estão dispostos a — compreender verdadeiramente a devoção e os votos pessoais por trás desta tradição de longa data. Os penitentes valorizam a sua fé inabalável mais do que o cepticismo do mundo; os seus corpos tornam-se símbolos de resiliência, sacrifício e dignidade por um belo compromisso que vai muito além da superfície.

Num dhobi ghat (local de lavagem de roupa ao ar livre muito comum no Sul da Ásia) com 150 anos em Calcutá, chegam camadas de tecido — utilizados em casas, hospitais e hotéis — que transportam os vestígios invisíveis da vida humana.
Estes tecidos funcionam como uma segunda pele, absorvendo momentos de alegria, doença, trabalho e perda. Através do ato repetitivo da lavagem, a sujidade visível desvanece-se, mas a memória do toque humano permanece.
Esta imagem reflete sobre a limpeza não apenas como um ato físico, mas como um ritual silencioso — onde as marcas da vida são lavadas e, nesse processo, quem lava também carrega e liberta essas histórias invisíveis.

Uma jovem olha diretamente para a câmara com uma confiança inabalável. Os padrões visíveis na sua pele desafiam as noções convencionais de beleza e convidam a uma reflexão mais profunda sobre a identidade própria. A obra explora a forma como a identidade é moldada, não pela conformidade, mas pela coragem de assumir o próprio corpo.

Uma menina de uma tribo a partilhar os sentimentos do seu coração com um pássaro colorido.

Esta imagem mostra um tecelão de tapetes de Panipat, um dos principais centros de tecelagem de tapetes da Índia, a trabalhar incansavelmente num tear pelo salário mínimo. Através de um trabalho repetitivo, paciência e habilidade, o tecelão cria tapetes artesanais que viajam muito para além do local onde são fabricados.

Estes tapetes são frequentemente vendidos a preços elevados nos mercados ocidentais, onde existe uma forte procura por têxteis feitos à mão, enquanto os artesãos por trás deles permanecem, em grande parte, invisíveis na cadeia de lucro e comércio.

Com o tempo, os fios tornam-se uma segunda pele — uma identidade moldada pelo trabalho, pelo material e pela sobrevivência.

No interior de uma tenda, durante uma tarde de chuva no Festival de Paredes de Coura, uma rapariga protege-se através de um plástico transparente. A partir do tema Skin, a imagem desloca a ideia de pele do corpo para a superfície que o envolve: uma membrana provisória, molhada e vulnerável, que separa o interior do exterior e funciona como abrigo.

As gotas, os vincos e o pequeno penso colado no plástico transformam essa membrana num corpo vulnerável. Aquilo que protege também parece ferido. A imagem constrói, assim, uma fronteira: entre dentro e fora, entre abrigo e exposição, entre intimidade e resistência.

A minha filha gosta de fazer máscaras com tecido, lenços e papel. Fica com um aspeto tão invulgar que não consigo evitar pegar na máquina fotográfica.

Na imagem, a mão de Salou, um homem mauritano que conheci em Chinguetti quando o vi a tentar limpar com uma pá a areia à volta de casa no meio do Sahara, segura a sua guitarra.
Ele convidou-me a visitar o interior da sua residência, e foi lá dentro que me informou que era músico de casamentos tradicionais. Momentos mais tarde, Salou foi buscar a guitarra acústica e tocou uma canção instrumental que costuma tocar durante cerimónias matrimoniais. Fiquei tão fascinado com a combinação da dureza crua e resiliente dos dedos de Salou, firmemente a segurar o instrumento que representa a sua única fonte de rendimento) e a presença nobre da sua guitarra.

Depois de uma longa caminhada descalços, estes penitentes tiram alguns minutos para descansar no passeio — um deitado de barriga para baixo, o outro imóvel. Penitentes como estes enchem as ruas e até as autoestradas durante a celebração da Semana Santa entre os católicos de algumas províncias das Filipinas. Carregam cruzes de madeira, cortam-se nas costas antes de se açoitarem até sangrar e chegam mesmo a deixar-se crucificar — tudo isto como atos de penitência e devoção.
Estão cobertos de hematomas. Sofrem cortes e feridas por todo o corpo ao longo das suas caminhadas. São até ridicularizados e criticados. Mas continuam em frente, mantendo-se fiéis aos seus votos de fé.

Esta imagem pretende explorar a natureza da pele como algo ancorado tanto na presença como na ausência. O pano vermelho que cobre os seus corpos simboliza proteção e identidade, enquanto a pele exposta fala da humanidade física. Ocultei intencionalmente o rosto do sujeito porque quero que os espectadores se questionem sobre o que está oculto, o que desejaram ver ou não ver, o que não pode ser totalmente coberto e se o que é mostrado é suficiente. Ao fazê-lo, a imagem resiste a uma interpretação única e, em vez disso, convida à reflexão sobre as muitas outras camadas que podem estar por baixo das aparências exteriores.
Para além da anatomia, a pele cobre, de facto, muito mais. Pode também estabelecer limites entre a discernibilidade e a discrição, a familiaridade e a distância, e até mesmo entre a individualidade e o altruísmo.

Esta obra explora a tensão entre expressão e silêncio, utilizando a proximidade extrema para transformar uma parte do rosto humano numa poderosa narrativa visual. Ao eliminar qualquer referência ao olhar ou à identidade imediata da pessoa retratada, a fotografia concentra toda a sua força simbólica nos lábios, tradicionalmente associados à comunicação, à emoção e à capacidade de dar voz aos pensamentos.
A composição aproxima o observador de um nível de detalhe raramente percecionado no quotidiano. As linhas da pele, as texturas dos lábios e os contrastes de luz revelam uma intimidade quase desconfortável, obrigando-nos a confrontar aquilo que normalmente passa despercebido. A ausência de palavras torna-se, paradoxalmente, a principal mensagem da imagem.

A cor vermelha desempenha um papel central na construção emocional da obra. Associada à intensidade, à vulnerabilidade e à força interior, cria uma dualidade entre aquilo que deseja ser expresso e aquilo que permanece retido. Os lábios encontram-se fechados, mas carregados de presença, sugerindo histórias, sentimentos e pensamentos que permanecem por dizer.
A obra procura refletir sobre os momentos em que o silêncio deixa de ser ausência de som e se transforma numa condição emocional. Todos carregamos palavras que nunca pronunciámos, sentimentos que nunca revelámos e partes de nós que permanecem ocultas. Silenciado nasce dessa reflexão sobre os limites da comunicação e sobre a complexidade do mundo interior humano.
Através desta fotografia, procurei explorar a forma como o silêncio pode ser simultaneamente proteção e prisão, força e fragilidade. Um simples detalhe do corpo transforma-se, assim, numa metáfora visual sobre identidade, vulnerabilidade e a necessidade universal de ser ouvido.

Esta imagem capta o peso emocional de testemunhar a derrota do outro. Vê-la assim, sentada no chão do chuveiro, representa o momento em que o meu trabalho como cuidadora se transforma num exercício de proteção da sua dignidade.

Através do vidro, a fotografia reflete a minha própria impotência e o respeito absoluto pela sua fragilidade. É o retrato do acompanhamento no colapso: o compromisso de continuar ali, a zelar pela sua intimidade quando ela já não consegue sustentar-se.

Nos exigentes campos de produção de tijolos do Bangladesh, este retrato reflete mais do que o trabalho e as dificuldades — revela a força silenciosa do espírito humano. Através da pele coberta de pó e dos olhos firmes, a imagem explora «O Território da Liberdade» como um espaço de dignidade, resiliência e coragem interior que perdura para além da luta física.

É na pele do mundo, num gesto primitivo, que a matéria se torna sentido e finge ser destino - e não sei se quero largar.

Uma criança pobre e faminta partilha a sua comida com o seu animal de estimação antes de a comer ela própria.

A pele, moldada pelo contacto com o mundo, é a parte mais resistente do corpo, moldada pela pressão constante e pela recuperação, endurecida ao longo do tempo para suportar o peso das nossas escolhas, onde até o mais pequeno ponto suporta todo o peso do ser.

Abstração geométrica a partir de um enquadramento close-up. O alto contraste isola as linhas diagonais criadas pelo relevo da estrutura. O foco está na textura e na repetição rítmica das formas. Um estudo sobre a volumetria e a ondulação do corpo.

A passear junto ao mar, na cidade de São Tomé, em São Tomé e Príncipe, deparei com este grupo de jovens que se banhava nas águas do Atlântico.

Amamentar é um gesto político: é nutrir para além do corpo, fortalecendo o vínculo entre mãe e filho. Registrar esse ato incentiva uma revolução pela segurança alimentar, pela construção de redes de apoio e pela quebra do estigma de que o seio é apenas uma parte sexualizada do corpo. Por isso, falar de amamentação é falar de resistência. Em um corpo tantas vezes controlado e julgado, essa escolha afirma o direito de alimentar, de ser amparada e de ocupar a si mesma por inteiro. 

Uma mulher está deitada junto ao rio, perto do «fim do mundo», em Puerto Natales, no Chile.

As dobras e vincos na fotografia demonstram como a imagem do nosso rosto que se apresenta ao mundo exterior fica distorcida quando tensões internas ou pressões externas alteram a superfície. As camadas da pele registam a passagem do tempo, as expressões faciais, os traumas e as experiências vividas.

«Sou a periferia de uma cidade inexistente, a anotação prolixa daquilo que não fui.»
- Fernando Pessoa

Penso que um diário se escreve com a intenção de ser lido; tal como uma carta de apresentação interminável: uma encenação do eu que se afirma ao mesmo tempo que se foge. Com cada imagem, uma tentativa; com cada camada que cai, outra revela-se. Toda a afirmação expõe, mais do que um sentido, a necessidade do impulso. Sentir-me confortavelmente perdida — abrigada pelas imagens — talvez seja o gesto mais honesto que possa descrever. A minha única forma de resistir ao tempo é manter-me inacabada. Escrever, tal como fotografar, é praticar a metamorfose. Nestes territórios austrais, o clima é, em grande parte, protagonista. O quotidiano torna-se o meu gesto de resistência. O simples adquire a profundidade do insubstituível. Aqui, as estações não se sucedem como noutros lugares. Tudo parece misturar-se: a geada sobre as flores, a chuva no verão, as nuvens que nada anunciam, mas que cobrem tudo. O tempo não corre: escorre, muda de forma, torna-se denso. O familiar e o selvagem, em constante convivência, tocam-se e confundem-se.

«A realidade não se deixa encerrar totalmente na forma; o homem é de tal modo caótico que precisa continuamente de se definir numa forma, mas essa forma é sempre ultrapassada pelo seu caos.»
Witold Gombrowicz

Definimo-nos para sobreviver e, ao fazê-lo, traímos-nos um pouco.