IN COLORS PROJECT  ED#4  SKIN

Este es Rafał, que pronto se transformará en Nikita, la Diosa del Amor. Nikita es una drag queen de Wrocław. Estos son algunos momentos de esa transformación.

Una anciana con su nieto.

Una niña de una tribu que comparte los sentimientos de su corazón con un pájaro de colores.

Hileras de pescado cuelgan para secarse, con las escamas relucientes que se endurecen hasta formar superficies pautadas. La sal y el sol actúan como conservantes, transformando la carne en una textura preservada. Los bastidores contienen algo más que alimento: guardan las huellas de las manos, del clima y del ritual; la superficie como piel, el trabajo como memoria inscrita en la economía de la costa.

Una niña pobre y hambrienta comparte su comida con su mascota antes de comerla ella misma.

Unos pies humanos descalzos cuelgan en un vacío tenso sobre un perro callejero que gruñe. Esta es la piel como un territorio vulnerable y suspendido, que existe entre el hormigón y la suciedad. Es una libertad cruda y precaria, intacta ante el ruido de abajo, pero definida por la distancia que la separa de él.

Num ritual de fé, o corpo é exposto ao fumo como um ato de purificação espiritual. A pele ostenta as marcas da devoção — texturada, marcada pelo tempo e vulnerável —, enquanto o fumo que se eleva esbate a fronteira entre o físico e o invisível.

Aqui, a purificação não é suave, mas intensa, sendo que a crença transforma o desconforto em transcendência. O corpo torna-se um receptáculo e a pele uma superfície através da qual a fé é expressa e libertada.
Esta imagem capta o momento em que o corpo material começa a dissolver-se em algo que vai além de si mesmo.

Los pliegues y las arrugas de la fotografía demuestran cómo la imagen de nuestro rostro que presentamos al mundo exterior se distorsiona cuando las tensiones internas o las presiones externas alteran su superficie. Las capas de la piel registran el paso del tiempo, las expresiones faciales, los traumas y las experiencias vividas.

Detalle de las manos de un grupo de jeques drusos del clan Aridi, una de las dos principales familias de Baysour, durante la tradición anual del Liqaa al-Eid, que tiene lugar con motivo de la festividad religiosa del Eid al-Adha. Para los jeques drusos que participan en ella, esta ocasión no es tanto una celebración como una oportunidad para purificar y renovar el alma.

Un niño pequeño se asoma por la oscura entrada de una frágil casa de barro, con una mirada que transmite inocencia mezclada con adversidad. La tenue luz y el entorno deteriorado reflejan la pobreza, la soledad y las dificultades ocultas de la infancia en las comunidades marginadas, mientras que su mirada pide en silencio esperanza y un futuro mejor.

Captado desde abajo, el cuerpo de una intérprete se extiende a lo largo del encuadre en un momento de tensión y movimiento. La fotografía enfatiza la piel como una superficie expresiva a través de la cual se comunican la disciplina, la fuerza y la identidad cultural. El propio cuerpo se convierte en un acto de libertad.

La lactancia materna es un gesto político: es alimentar más allá del cuerpo, fortaleciendo el vínculo entre madre e hijo. Documentar este acto fomenta una revolución en favor de la seguridad alimentaria, de la creación de redes de apoyo y de la eliminación del estigma de que el pecho es solo una parte sexualizada del cuerpo. Por eso, hablar de lactancia materna es hablar de resistencia. En un cuerpo tan a menudo controlado y juzgado, esta elección reafirma el derecho a alimentar, a recibir apoyo y a ocuparse plenamente de una misma.

La piel, moldeada por el contacto con el mundo, es la parte más resistente del cuerpo, forjada por la presión constante y la recuperación, endurecida con el paso del tiempo para soportar el peso de nuestras decisiones, donde hasta el punto más pequeño soporta todo el peso del ser.

Un niño jugando en las minas de carbón.

Aunque la piel pueda parecer una armadura que nos hace parecer fuertes frente al mundo exterior, en realidad es el lugar más vulnerable de la humanidad. Creada en un entorno de estudio y en referencia a la pintura de Caravaggio, esta fotografía demuestra hasta qué punto es verdaderamente penetrable la superficie del poder y la tiranía - Holofernes. Toda la autoridad de un comandante colosal queda hecha añicos por la sección de unos pocos milímetros de piel en su cuello, causada por una espada.

Además, la densa tela o el drapeado rojo del fondo actúa casi como una proyección espacial de la sangre que brota del interior, o de la carne cruda y roja que se encuentra bajo la piel: la capa ectodérmica. El artista ha envuelto el fondo en esta atmósfera visceral y claustrofóbica.

Cada día podemos tener pequeños gestos que hagan felices a los demás.

La imagen se construye sobre la tensión entre la belleza externa y la realidad interna. La piel no es simplemente una capa protectora, sino el límite del mundo visible, bajo el cual se encuentra una estructura frágil pero estable: los huesos y la estructura interna.

Abstracción geométrica a partir de un encuadre en primer plano. El alto contraste aísla las líneas diagonales creadas por el relieve de la estructura. El enfoque se sitúa en la textura y en la repetición rítmica de las formas. Un estudio sobre la volumetría y la ondulación del cuerpo.

Una mujer descansa junto al río, cerca del «fin del mundo», en Puerto Natales, Chile.

Las mujeres se unen en solidaridad en Roca Oceánica, unos días antes del referéndum nacional de Chile, en el que los ciudadanos decidirán si sustituir o mantener la Constitución redactada bajo la dictadura de Augusto Pinochet.

En las exigentes canteras de ladrillos de Bangladés, este retrato refleja algo más que el trabajo y las penurias: revela la fuerza silenciosa del espíritu humano. A través de una piel cubierta de polvo y una mirada inquebrantable, la imagen explora «El territorio de la libertad» como un espacio de dignidad, resiliencia y valor interior que perdura más allá de la lucha física.

Una niña de una tribu está sentada con su perro, envuelto en una manta para protegerlo del frío intenso.

Unos amigos se divierten y se refrescan en un caluroso día de verano. Una escena tan habitual y tan frecuente, pero que, por su estética y por la diferencia de tonos de piel, creo que ha quedado muy bien.

En el interior de una tienda de campaña, durante una tarde de lluvia en el Festival de Paredes de Coura, una joven se protege bajo una lámina de plástico transparente. En relación con el tema Skin, la imagen desplaza la idea de piel del cuerpo a la superficie que lo envuelve: una membrana provisional, mojada y vulnerable, que separa el interior del exterior y sirve de refugio.

Las gotas de lluvia, los pliegues y la pequeña tirita pegada al plástico transforman esa membrana en un cuerpo vulnerable. Aquello que protege también parece herido. La imagen construye así una frontera: entre dentro y fuera, entre refugio y exposición, entre intimidad y resistencia.

"Soy la periferia de una ciudad inexistente, la anotación prolija de lo que no fui." 
- Fernando Pessoa, El lloro del desasosiego 

Pienso que un diario se escribe con la intención de ser leído; como también una carta de presentación interminable: puesta en escena del yo que se afirma al tiempo que se da a la fuga. Con cada imagen, un intento; con cada capa que cae, otra se revela. Toda afirmación expone, más que un sentido, la necesidad del impulso. Sentirse cómodamente perdida - abrigada por las imágenes­ tal vez sea el gesto más honesto que pueda describir. Mi única forma de resistir el tiempo es mantenerme inacabada. Escribir, como fotografiar, es practicar la metamorfosis. En estos territorios australes, el clima es en gran parte protagonista. Lo cotidiano se vuelve mi gesto de resistencia. Lo simple adquiere el espesor de lo irremplazable. Acá las estaciones no se suceden como en otros lados. Todo parece mezclarse: la escarcha sobre las flores, la lluvia en verano, las nubes que no anuncian nada, pero lo cubren todo. El tiempo no corre: se escurre, cambia de forma, se espesa. Lo familiar y lo salvaje, en constante convivencia, se tocan y se confunden.

"La realidad no se deja encerrar totalmente en la forma; el hombre es de tal modo caótico que necesita continuamente definirse en una forma, pero esa forma es siempre excedida por su caos." 
- Witold Gombrowicz 

Nos definimos para sobrevivir, y al hacerlo, nos traicionamos un poco. 

A mi hija le gusta hacer máscaras con tela, pañuelos y papel. Quedan tan originales que no puedo evitar coger la cámara.

Una mujer joven se enfrenta a la cámara con una confianza inquebrantable. Los patrones visibles de su piel cuestionan las ideas convencionales de belleza e invitan a una reflexión más profunda sobre la identidad. La obra explora cómo la identidad no se construye a través de la conformidad, sino mediante el valor de habitar el propio cuerpo.

Emergiendo de la quietud absoluta de las sombras, la piel se revela como el primer gesto escultórico de la vida. Aquí, la luz no se limita a iluminar: traza un camino sobre los suaves contornos de jóvenes novicias, deteniéndose delicadamente en la superficie de la devoción. En esta profunda intimidad, los límites del cuerpo físico se disuelven, transformando un simple retrato en un monumento poético a la paz, la resiliencia y la verdad interior.

Esta serie aborda un tabú silencioso en el cuidado del Alzheimer: la administración de medicación antipsicótica. Representa el momento en que la enfermedad nos obliga a cruzar una línea ética y emocional demoledora: la de tener que ocultar fármacos en la comida o el agua para calmar una agitación que no cede.

Como cuidadora, este acto se vive con una culpa profunda y una responsabilidad que nadie te enseña a gestionar. Es la contradicción de 'drogar' a la persona que más quieres para poder sobrevivir ambas al día a día. En estas fotografías, busco capturar la esencia de esa entrega: la botella de agua y el vaso como testigos mudos de una decisión tomada en soledad, y la observación posterior, casi científica y a la vez rota, de cómo su mirada se transforma y su cuerpo se rinde al sueño provocado. Es una denuncia de la soledad del cuidador ante decisiones que cambian, por completo, la naturaleza del vínculo.

En la imagen, la mano de Salou, un hombre mauritano al que conocí en Chinguetti cuando lo vi intentando retirar con una pala la arena acumulada alrededor de su casa, en pleno Sáhara, sostiene su guitarra.

Me invitó a entrar en su casa y allí me contó que tocaba en bodas tradicionales. Poco después, Salou fue a buscar su guitarra acústica y tocó una pieza instrumental que suele interpretar durante las ceremonias matrimoniales. Me fascinó el contraste entre la rudeza y la resistencia de los dedos de Salou, que sujetaban firmemente el instrumento que constituye su única fuente de ingresos, y la noble presencia de su guitarra.

Es en la piel del mundo, en un gesto primitivo, donde la materia se convierte en sentido y finge ser destino - y no sé si quiero soltarla.

Mientras paseaba junto al mar, en la ciudad de Santo Tomé, en Santo Tomé y Príncipe, me encontré con este grupo de jóvenes que se bañaba en las aguas del océano Atlántico.

Encontré en el bosque algunos hermosos ejemplares de hongos en forma de copa. Decidí incorporarlos a mi propio cuerpo.

Su presencia se irradia con fuerza y autonomía. Un cuerpo que genera vida y, al mismo tiempo, reivindica el derecho a existir plenamente, sin censura, sin domesticación y sin miedo. Presente y dueña de sí misma, se sitúa en el centro de su propia imagen, convirtiendo la maternidad en un acto político. Porque todo cuerpo libre desafía una estructura, y toda mujer que habita su propia piel abre el camino hacia una nueva forma de libertad.

La arcilla se adhiere a la piel del artesano; cada dedo imprime devoción en la forma. La piel humana moldea la carne terrosa, dando forma a una piel divina a partir de la tierra. En cada pliegue y contacto, el trabajo se convierte en oración: la piel crea piel, la memoria esculpe la presencia y la divinidad nace del diálogo íntimo entre la mano y la arcilla.

Después de regresar de pescar, este pescador posó para la fotografía, mostrando uno de los peces que había pescado.

Dos manos se entrelazan en una quietud serena, y la piel forma una topografía de arrugas, venas y callosidades. Cada pliegue archiva el trabajo, la ternura y el paso del tiempo; el entrelazamiento protege y, al mismo tiempo, revela. Aquí, la piel es historia: la superficie como registro, el tacto como testimonio, donde la memoria personal y la experiencia encarnada se conservan en la palma de la mano.

Las huellas quedan marcadas en la arena ondulada, cada surco como una impresión epidérmica momentánea. La luz y la marea suavizan y acentúan estas marcas, transformando el paso en una inscripción. La costa se convierte en una piel viva: efímera, texturizada y receptiva, donde las pisadas humanas graban brevemente la memoria en el paisaje antes de que el mar las borre.

Las marcas y las texturas muestran una resistencia interior, algo que ya no permanece oculto. El cuerpo se convierte en un lugar visible de lucha, portador de las huellas tanto del dolor como de la resiliencia.Las marcas y las texturas muestran una resistencia interior, algo que ya no permanece oculto. El cuerpo se convierte en un lugar visible de lucha, portador de las huellas tanto del dolor como de la resiliencia.

Esta obra explora la tensión entre la expresión y el silencio, utilizando un primerísimo plano para transformar una parte del rostro humano en una poderosa narrativa visual. Al eliminar cualquier referencia a la mirada o a la identidad inmediata de la persona retratada, la fotografía concentra toda su fuerza simbólica en los labios, tradicionalmente asociados con la comunicación, la emoción y la capacidad de dar voz a los pensamientos.
La composición acerca al espectador a un nivel de detalle que rara vez percibimos en la vida cotidiana. Las líneas de la piel, las texturas de los labios y los contrastes de luz revelan una intimidad casi incómoda, que nos obliga a confrontar aquello que normalmente pasa desapercibido. Paradójicamente, la ausencia de palabras se convierte en el mensaje central de la imagen.

El rojo desempeña un papel central en la construcción emocional de la obra. Asociado con la intensidad, la vulnerabilidad y la fuerza interior, crea una tensión entre lo que desea expresarse y lo que permanece contenido. Los labios están cerrados, pero cargados de presencia, y sugieren historias, sentimientos y pensamientos que quedan sin decir.
La obra invita a reflexionar sobre los momentos en que el silencio deja de ser una mera ausencia de sonido y se transforma en una condición emocional. Todos llevamos dentro palabras que nunca hemos pronunciado, sentimientos que nunca hemos revelado y partes de nosotros mismos que permanecen ocultas. Silenciado nace de esta reflexión sobre los límites de la comunicación y la complejidad del mundo interior humano.
A través de esta fotografía, quise explorar cómo el silencio puede ser, al mismo tiempo, protección y prisión, fuerza y fragilidad. Un simple detalle del cuerpo se transforma así en una metáfora visual sobre la identidad, la vulnerabilidad y la necesidad universal de ser escuchado.

Esta imagen captura el peso emocional de presenciar la derrota del otro. Verla así, sentada en el suelo de la ducha, representa el momento en que mi labor como cuidadora se convierte en un ejercicio de protección de su dignidad.

A través del cristal, la fotografía refleja mi propia impotencia y el respeto absoluto hacia su fragilidad. Es el retrato del acompañamiento en el colapso: el compromiso de seguir ahí, custodiando su intimidad cuando ella ya no puede sostenerse.